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服装应该被视为艺术吗知乎「服饰艺术」

时间：2023-02-04 13:33:37 来源：NYLON尼龙

大家好，服装应该被视为艺术吗知乎「服饰艺术」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

如果时尚可以被纳入艺术的讨论范畴，那作为时尚商品符号存在的服装，是否也存在这样的可能？
在展开探讨前，也许应该先确定一个方向，艺术范畴下的服装，并非是我们常说的衣服（Clothes），或者说不仅如此。在这一语境下，它存在着一个专用的术语：Garmenting，意指将服装作为视觉艺术的媒介。纽约艺术史学家、策展人 Alexandra Schwartz 在大约十年前接触到了这一名词，在他与艺术家 Saya Woolfalk 共同策划的个展中，Garmenting 首次被后者提出。而当二人再度聚在一起，讨论纽约艺术设计博物馆（MAD）一场有关服饰的展览主题时，Garmenting 又一次出现。用Schwartz 话说：“这对描述这种现象（服装与艺术）相当有效。”
3 月 12 日起，名为《Garmenting：作为当代艺术的服装》展览于 MAD 博物馆正式开启，这是首个致力于将服装作为视觉艺术媒介的全球调查展览，囊括了 35 位国际当代艺术家的作品，从知名的创作者到新兴的面孔。通过制作或改变服装的形式以达到目的，包括服装、雕塑、装置和行为艺术等方向，将服装转化为探索主体性、身份和差异问题的关键工具。

服装的当代艺术延展

时尚与艺术的两大方向，近乎有着全然不同的形式和系统，时装设计是一种追求超越的职业，如同艺术一样具有创造性，但它关注的又是身份，这并不是艺术家所为。在时尚演变的历史阶段，前者需要艺术的加持才能被认真对待，后者需要时尚的商业头脑才能达到大众的要求。

尼日利亚艺术家 Yinka Shonibare 作品《The Ghost of Eliza Jumel》/ Stephen White

而服装制作作为一种艺术策略出现，是在 20 世纪 60、70 年代。它的兴起与行为艺术有着分不开的关系，在装置中使用的服装，长期被作为现场和基于视频表演中的服装使用。这种做法在 90 年代变得越来越突出，它的蓬勃发展与全球化的新兴影响相一致。由于强调工艺和独特的对象，服装制作在全球范围内开始被艺术家采用，以寻求应对 21 世纪社会经济边界、文化和身份的模糊化。一些人庆祝全球化带来的文化混合，另一些人则抗议地区和民族传统和社区的消逝；而更多的人则在同时做这两件事。

Mary Sibande 作品《The Domba Dance》/ John Lusis

”尽管在当前，服装制作作为一种视觉艺术实践无处不在，但它从未被研究或理论化。“

"今天的艺术家正在跨学科的使用各种不同术语、不同媒介思考，我对艺术和时尚、艺术和设计之间的界限打破感兴趣，它在当下尤其具有现实意义，许多艺术家都在关注他们的个人和文化历史，以及服装如何融入这些历史。“MAD 展览的策展人之一 Alexandra Schwartz 分享着展览举办的契机，也将人们带入了一个先前未有涉猎的领域。尽管在当前，服装制作作为一种视觉艺术实践无处不在，但它从未被研究或理论化，这一展览便集中展示了当代艺术家对服装的探索，将其作为一种正式的逻辑与工具，使用时尚的语言来解决主体性的基本问题，包括性别、阶级、种族和民族。

Garmenting: Costuming as Contemporary Art 展览 / MUSEUM OF ARTS AND DESIGN

”这一更为迫切地想要参与社会生活乃至世界的目的，归根结底是试图将艺术与我们的日常生活和经验联系起来。“

展览中出现的非裔美国视觉艺术家 Devan Shimoyama 创作的以布满丝绸花卉、水钻、亮片与珠宝的服装，像是一个切口，指向了服装制作背后的社会思考。2012 年，美国佛罗里达州的 17 岁黑人少年 Trayvon Martin 被西班牙裔美国人 George Zimmerman 枪杀，在他遇难时，身上穿着的是一件连帽衫。作为黑人群体的一员，Devan 对这一暴行感到愤慨与不安，他选择了一件二手连帽衫，那些表面点缀的丝绸花朵和亮片，则象征着世界各地人们自发的悼念活动，以此向 Trayvon Martin 致敬。

Devan Shimoyama 作品《February II》/ Phoebe dHeurle

正如 Schwartz 所言，当下的时尚展览正在越来越多地讲述超越服装的信息。至少在艺术博物馆，鉴于世界上正在发生的事情，策展人和博物馆人员想要参与其中，帮助人们处理、或理解正在发生的事情。这一更为迫切地想要参与社会生活乃至世界的目的，归根结底是试图将艺术与我们的日常生活和经验联系起来，包括政治问题、新冠疫情造成的痛苦和孤立，以及那些亟待被正视的社会正义。

而在具体的展出中，MAD 会给予我们一个怎样的答案呢？

《Garmenting：作为当代艺术的服装》

3 月 12 日开幕的《Garmenting：作为当代艺术的服装》展览，围绕着五个相互关联的主题延伸，分别为功能性（Functionality）、性别（Gender）、行动主义（Activism）、文化差异（Cultural Difference）与表演（Performance）。

”服装制作通过质疑什么使服装具有 "功能性"（即可在日常生活中穿着）和 "艺术性"（即用于展览或表演），对这种划分进行了批评。“

功能性（Functionality）：服装制作所涉及的主要问题之一是美术和应用艺术之间的传统分界。服装制作通过质疑什么使服装具有 "功能性"（即可在日常生活中穿着）和 "艺术性"（即用于展览或表演），对这种划分进行了批评。

在展览的”功能性“主题部分，包括了早期的服装制作案例，如法裔美国艺术家 Louise Bourgeois 创作的《Blue Days》，以及德国视觉艺术家 Franz Erhard Walther 创作于 1963-1969 年的第一套交互式《1.Werksatz》。其中后者初次亮相于 1972 年第五届文献展，由 58 个独立的织物元素构成，旨在让参观者或 "使用者 "以特定方式激活，它也成为了 Walther 极具标识性的艺术类型：壁挂式或落地式布艺作品。

存储形式的《1.Werksatz》作品 / Franz Erhard Walther/Artist Rights Society (ARS)

在文献展之后的几年里，Walther 将主要由帆布等柔韧材料组成的《1.Werksatz》作品折成一个布包，标有具体的识别图，将其存放在他建造的一个双层木架上。Walther将这一结果称为 Lagerform（存储形式），既命名了一个物体，也命名了一种存在状态。

《Blue Days》/ The Easton Foundation / Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS)

性别（Gender）：服装与性别的建构紧密地交织在一起。传统上，女性气质与服装和装饰品密切相关，而英国视觉艺术家 Zoë Buckman 创作的《Every Curve》作品，便深切点明了这一方向。

Zoë Buckman 作品《Every Curve》探索了女权主义和嘻哈文化在她成长过程中的矛盾和互补影响 / Papilion Art

在 2016 年的首次个展中，Buckman 带领观者来到了一处犹如私人闺房的空间，这是一个长期被男性观点渗透和影响的女性庇护所。悬挂在天花板上的是一系列女性内衣——睡衣、丝袜、吊袜带、胸罩、和服、胸衣和束腰。而与女性化的奶油色、丝绸和缎子形成鲜明对比的是，艺术家在服装上手工刺绣了 90 年代说唱歌手 Tupac 和 B.I.G 的嘻哈歌词。一件花色和服漂浮在空中，背后用红色缝线写着 "I swear I’ll never call you Bitch again“（我发誓再也不叫你婊子了）。这些对抗性的话语并列在个人的服装上，似乎是一种令人震惊，却又带有亲密性的野蛮介入。

《Every Curve》/ Papillion Art

《Every Curve》记录了一位年轻女性，在一个由男性主导，并试图定义、塑造和物化女性的社会中的成长历程，以凄美和反讽的方式记录了其中的冲突性，而这些影响也共同构建了女性的身份。今时今日，社会对于性别的看法似乎在整体上变得更为包容，利用服装来批判性地看待性别认同的构建和破坏，而艺术家群体在促成这一变化方面发挥了至关重要的作用。

行动主义（Activism）：艺术家们长期以来一直将服装制作作为一种行动主义姿态，探寻服装中固有的象征意义。对于一些特定的创作者来说，行动主义是与生俱来的，实验艺术家 Oliver Herring 利用针织的女性关联，来表达他作为 LGBTQ群体的真实感受。《A Flower for Ethyl Eichelberger》是 Herring 1991 年至 2001 年期间制作的一系列针织雕塑作品，源于对变装表演艺术家和剧作家 Ethyl Eichelberger 的致敬——1990 年 Ethyl 因身患艾滋病选择了自杀。

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Oliver Herring 针织作品

"编织对于 Ethyl 的性别角色来说是有意义的，但这一过程是缓慢而渐进的，它是通过手工进行。而同样，这也是处理我个人的感受、想法的一种诗意的方式，在没有真正意识到自我的情况下，我从一系列复杂的个人问题开始，通过 Eichelberger 的经历、艾滋病、性别和身份的过滤，将它们转化为更大的东西。”Oliver Herring 在早年接受专访时谈到了这一系列针织作品的创作背景。

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Oliver Herring 针织作品

文化差异（Cultural Difference），服装对于群体身份的形成和保护，始终有着重要的价值，在历史上，服装主要由文化标识物决定，例如种族、地区、宗教和阶级，而全球化和工业化的侵蚀，业已将这些标志逐渐淡化。对于受到外来影响威胁的文化来说，传统服饰对于保护群体身份和历史的作用仍然显著。”文化差异“主题的的艺术家群体，包括 Nick Cave、Tanis S"eiltin 以及来自非洲的 Mary Sibande 和 Yinka Shonibare，使用服饰语言对抗威胁，帮助保护或反思种族、民族和文化身份和差异。

来自芝加哥的当代艺术家 Nick Cave 创作的《Soundsuits》系列，即代表了一种抗争的态度，它们既是一个安全和隐私的空间，又是一个由材料组成的绝缘层，将穿戴者与外部世界隔绝。包裹并创造出隐藏性别、种族和阶级的第二层皮肤，这与艺术家的黑人身份也有着强烈的内在联系——既脆弱又坚定地存在着。

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系列作品《Soundsuits》

20 世纪 60 年代行为艺术的兴起，帮助催生了服装制作与艺术的关联，二者也在不同的时代背景下产生着密切的相关性。而独立于其他单元的“表演（Performance）”环节，便是通过行为艺术家的现场表演，深入地诠释这一关系。香港的 Enoch Cheng、美国的 Jaamil Olawale Kosoko 与韩国的 A YOUNG YU，她们的背景与艺术实践各不相同，却共同关注着服饰语言如何影响运动中的身体，这与整个展览中讨论的关于性别、文化差异和行动主义的方向，也进而达成了互文的契合。

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参展艺术家作品

回到开篇的那一设问——如果时尚可以被纳入艺术的讨论范畴，那作为时尚商品符号存在的服装，是否也存在这样的可能？

在固有的意识中，服装本身鲜明的消费属性，似乎将它与一切严肃的讨论与思考相阻隔，人们的购买行为仿佛成为了服装的唯一价值。然而，服装，或者说它所指向的时尚，依然有着被严肃看待的特质。

时尚语言，既是一种话语，表达我们是什么、可能是什么或可能成为什么，又是一种“自我管理”的规范或风格模板。法国社会学家 Gilles Lipovetsky 认为，时尚具有社会再生产性，它引导人们在瞬息万变的世界中灵活应对。时尚的变动性、开放性是一个社会在快速转型过程中最需要的品质。因此，时尚/服装不应被片面地看作是肤浅、虚伪的，它不仅成为了修饰身体的重要工具，也是塑造现代性、自我的重要桥梁。

当服装最终超越了单一商品的符号特性，走入了社会议题和文化性质的讨论范畴——仅就这一点来看，它的确具备了被视为艺术的前提。