艺术究竟是人类的有意识的模仿还是无意识的创造「艺术是完全的想象和创造吗」

大家好，艺术究竟是人类的有意识的模仿还是无意识的创造「艺术是完全的想象和创造吗」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

导语：艺术，一直是为人所争论的一个话题，艺术的诞生离不开人类，一幅画、一个字、哪怕随手一个涂鸦都可能被人视作艺术，但是在我看来对于艺术的认知是相对的，例如让一个只晓得研发武器的科学家去欣赏艺术大师的书画，可能就会产生不同的效果，因为在他眼里那肯可能只是颜色的组合，但是却无实际意义，这样的例子在生活在屡见不鲜。而且就我觉得艺术的欣赏或者感知很多时候来自于一种不自觉的认知行为，并非刻意而为之，当我们在看到一幅画的时候，并不一定是去欣赏，可能是随意的一瞥，但是却被画中所呈现的内容所吸引然后在有了更为细致的观察以及所谓的欣赏。

艺术对我们来说，抛开功利的角度来说，艺术带给我们更多的是是一种享受，感官上的享受，书画可以带来视觉上的享受、音乐可以为我们带来听觉上的享受、美食可以为我们带来味觉上的享受。或许有人会觉得食物是艺术吗，这也就具有相对性了，在追求温饱的人的眼中食物只是填饱肚子的东西，而在美食家的眼中他们会从食物的外观、味道等多方面来看待，带来的是多方面的享受。尤其是关于艺术的定义与自然科学有着明显的不同，何为艺术，这是一个没有边界的意义，更多的是从人的自我知觉来感受的，这种感受时时刻刻都在受到环境以及时间等变化的影响。

艺术起源——从何而来

豪塞曾经说过"很难给艺术下一种不能从相反的方面来确定它的定义。"这也就是艺术与自然科学的最大的不同，我们再给自然科学下定义的时候经常会采用找寻相反例子来进行定义，但是艺术却无法做大。艺术给我们呈现出的享受对于每个人是不同的，每个人从艺术中欣赏到的美也是不同的。艺术没有确定的本质，也没有一个相对的恒定的规律就在于其是有人创造的，而对于艺术的欣赏也完全来自于人本身，而人对于艺术的判定又是多样的。这不同于有着既定规律的自然科学，人只是发现者，而在艺术之中人既是创造者也是发现者，这就使得艺术的定义变得具有模糊性，充满了不同。而从艺术的起源来看至今为人所认同的观点大致有三个分别是游戏说、巫术说和集体无意识说。

康德

游戏说是有康德提出的，他们认为艺术是由游戏发展而来的，游戏和艺术一样具有再创作的能力，在自我虚构中得到一种前所未有的快感，这种自我创造性、拓展性，不论是游戏还是艺术都是为了使人在其中达到一种忘我的情景，在游戏与艺术之中忘掉现实差异。其实游戏说更多的将艺术看作人类自我麻醉的一种行为，人在感到迷茫或者压抑时，艺术以及游戏所带来的感觉可以使其暂时忘掉那些不快，从而使得内心得以平静。但是游戏以及艺术依旧有着差别，艺术相较于游戏更加具有深刻性，从艺术中所顿悟出的远远要比游戏多。

巫术中的法阵

第二种便是马林诺夫斯基提出的巫术说，他之所以提出这样的观点是基于其对众多原始部落的考察以及研究。在考察以及研究中他发现巫术活动在原始部落以及人类早期社会结构生活中占有着重大的地位。例如在我国殷商时期通过甲骨的占卜以及祈祷便是一种早期形式的巫术活动。这种巫术活动所反映的更多的人类与自然之间的斗争，在进行巫术仪式时要有着极为集中的精神并且要将参与的人的情绪调动到最高来完成巫术仪式。在巫术活动中人的精神的调动要通过某些符号或者物品来达到共鸣，可以说这是早期的原始艺术的意味形式。例如殷商时期的甲骨卜辞，不仅仅是符号上的意味，更多的产生了如同艺术一样可以使人产生精神上的共鸣。

毕加索的抽象派画风

另外一个便是集体无意识是艺术的源头，因为艺术的直接创造以及欣赏均是人，所以艺术的形成必然离不开人。但是我们有要看到人是处于社会这个大的集体中，人作为个体有着属于他的个体无意识这是每个人各自的特征的来源，但是同时以众人为基础的社会也有着其集体无意识。因而这个观点人物艺术家所创造的不是其个人的想法而是这个社会集体的精神，在集体无意识的驱动之下进行创作的。因此艺术不是某一个人的行为，而是人类这一集体数代的精神外露。而且在这里艺术起到的作用是巨大的尤其是对于民族的延续、精神的传承有着无可比拟的作用。

艺术的本质——因何而起

如果说游戏说、巫术说、集体无意识是从艺术的起源来解释艺术的话，那么在西方的艺术美学史的发展中，也有那么一类学者选择从艺术的本质出发来对艺术进行定义，进而逐渐形成了多种不同的学说，最具代表性的分别是模仿说、表现说、有意味的形式说、符号说。在艾布拉姆斯的《镜与灯——浪漫主义文论及批评传统》中系统的阐述了这四种学说的内容。

梵高·向日葵中所展露的生命的冲动以及热情

模仿说的由来已久，在古希腊时期便是当时学者们对于艺术界定的主要观点，柏拉图、亚里士多德均是模仿说的观点的赞同者但是二者又有着不同的地方。柏拉图认为我们的世界有三个部分组成分别是理式世界、现实世界、艺术世界，艺术世界是对现实世界的模仿而现实世界是对理式世界的模仿，所以艺术是虚幻的；而亚里士多德则认为现实世界是真实的，因此模仿现实世界的艺术则具有真实性。而模仿说在之后的数千年里对西方的文艺发展有着巨大的影响，在模仿说始终将艺术与现实世界紧密相连，认为艺术是对现实世界的再现认为艺术的一些形式都是对现实的模仿，却忽略了艺术的自主创作性以及独特性。

蒙克 ·呐喊中心灵之中的孤独的极度形象的展露

表现说的提出则是将艺术的本质回归到了艺术创作的本体，反对机械的模仿，表现说兴起于西方十七到十八世纪的浪漫主义时期，这一事件更多的在强调人的自我，人的独立，因此也逐渐影响了当时的文艺观。表现说直接将艺术与现实的联系切断，认为一切艺术的诞生应该在反映艺术家的情感，将创作主体的地位加以提高，情调艺术表现的是艺术家创作时的心境以及情感。这是对自古希腊便已经诞生的模仿说的一种大胆的批判。

莫奈"印象·日出"中光与色的交相呼应

有意味的形式其实是从观赏者的角度出发的，认识到了艺术给欣赏者带来的感官尤其是视觉上的体验。这种形式既包括艺术创作时的线条也包括各种颜色的组合，而这些不同的组合这种蕴含的则是艺术家创作时所产生的情感以及审美情趣，艺术家将这些自我的感情融入其中然后当观赏者欣赏时也会引发同样的审美快感，这就是兼顾到了艺术的创作者以及欣赏者，而艺术成为中间的一个特殊的纽带承载着艺术创作者的情感。

梵高·星月夜中高度夸张变形和强烈视觉对比

符号说认为艺术是人类情感的符号形式，艺术这种符号既没有逻辑，也不是抽象的是可以为人所观察感受到的，而且艺术所呈现的情感不是某一个人或者某一刻的情感，而是同属于整个人类的普遍情感，所呈现的是整个人类社会的内心世界，以及生命变化。在这里艺术虽然由艺术家创作，但其最终呈现的不是艺术家的情感，而是人类的整体情感。

艺术的形式以及艺术的意味

艺术是一个泛概念，没有一个确切的标准，而且对于不同的人来说所体会到的艺术所带来的美感以及享受也是不同的，而且一个人面对不同的艺术品或者不同的人面对同一个艺术品其最终的感悟以及体会都有所不同。有的人也学只看到了艺术的外在形式所带来的感官上的享受；有的人的可能在其中感受到了艺术家所投入的感情以及自我情感所引发的共鸣；艺术的魅力就在于此，总是会在不经意间将我们的视野拉向更远的地方，下至虫羽之弱，上至宇宙浩瀚之壮阔，竟然是可以包揽世间万物。

中国的飞檐，美观而且大方，飞动轻快

艺术不是一个单纯的形式，而是多种形式的组合体，声音、色彩、线条、词汇等多种多样的组合，这也就使得艺术充满了可能性以及不可预测性，既有着空间的展现也有着时间的展现。建筑、绘画、雕塑可以说说是较为完整的空间艺术；音乐、文学则是在时间中延续的另一种艺术；而舞蹈、影视、戏剧则是可以同时兼具时间和空间两个特征。这些艺术所具备的审美特征也是不一样的。

斗拱

空间艺术如建筑等是对材料依赖最重的，需要各种物质材料按照一定的规律进行排列组合才能形成具有审美特征的艺术，这种规律要符合人的视觉审美特征，绝非随意的进行拍了，例如黄金分割率的运用、对称结构的运用等。而时间艺术则相对与物质的依赖则要少得多，但是在这里我们并没有说时间艺术完全离开了物质材料那是不可能的，因为任何艺术都是需要相应的物质作为载体，否则便无法单独存在，只是这些艺术中时间的因素影响最大。

米兰大教堂·哥特式建筑

其实艺术的意味是多样的，因为一时是为人所创造的，而非自然形成的，所以说一件艺术品蕴含意味的高低首先便是和艺术家的人文素养有关，其次是欣赏者的艺术审美素养。艺术家作为艺术的直接创作者，影响其创作水平的首先便是其艺术创造力的高低其次便是其学识、经历等外在因素。这些因素使得艺术家在创作是会产生大为不同的效果，艺术品其中所蕴含的情感以及哲学理念等，进而会影响到欣赏者在欣赏时的感官享受以及心理变化，从而产生不同的审美意味。

总结：艺术就如同人类的诞生一般，是没有一个确切的时间或者标志的，即便是在原始时代人类为了生存而奔波时，便已经早早的产生了艺术审美现象，他们或许会将一块石头或者一个动物的骸骨经过打磨等制成自己喜欢的样子，佩戴在身上，可以说这就是早期的无意识的艺术创造以及单纯的审美表现。

对于我们来说乃至世界上大多数来说，艺术的审美或许没那麽重要或者有的人可能一辈子都不明白艺术是什么，但是我们在生活中却一直在运用着这些艺术的方法，房子的建造一定要对称美观，这便是艺术；在听见美妙的音乐的时候也会驻足而听，这也是艺术的享受；在家有木头雕刻的一个玩偶，这也是艺术。艺术没有高低，因为这是人的创作，纯粹的艺术家的创作不含有功利性的时候便不存在艺术的高低了。

参考资料

《艺术的故事》贡布里希

《美学》朱光元主编

《艺术让人成为人》加纳罗、阿特休勒

《艺术学概论》彭吉象

《世界经典美术鉴赏辞典》朱伯雄