中国山水画的意境蕴含在象外「山水画中的意境」

大家好，中国山水画的意境蕴含在象外「山水画中的意境」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

“画外之象”与“味外之旨”——中国水墨画的意境之美

水墨画是我国传统艺术中极具代表性的艺术样式，通过水与墨的完美融合，根据不同比例的调配，呈现出浓、淡、干、湿、焦的氤氲效果。水墨之浓淡决定了画面的层次，虽无多种颜色，亦呈现出多样的色阶变化。浓墨使山体浑厚苍劲，淡墨令水面澄澈透明，艺通大道，变化万千。水墨画通过化繁为简，以有限的笔墨，阐释出中国美学无穷的意境空间。

中国水墨画的发展伴随着社会变迁和文化演变，至今已有千余年的历史，具有深远的文化内涵，形成了完备的美学体系。

战国时期，我国水墨画就已初具雏形，出现了线描为主，辅以设色的人物画像。至魏晋南北朝，大量的美学思想与绘画理论开始成熟，顾恺之、谢赫等人的绘画理论著作为水墨画进一步发展提供了支持，尤其是谢赫在《古画品录》中提出了“六法”，如“气韵生动”“骨法用笔”“经营位置”等理论，都为后续中国水墨画的创作和品鉴确定了可以参考学习的规范。

至唐代，水墨画的发展来到了高峰，涌现出为数众多的绘画艺术家，吴道子、王维等人在绘画技法及理论上都有突破。吴道子以被后世誉为“吴带当风”的独特笔法，为水墨画中的笔墨技法探索了新的表现形式。王维则在《画山水诀》中说：“夫画道之中，水墨为上，肇自然之性，成造化之功。”肯定了水墨画在中国绘画中的地位，并在前人已有的基础上进行深入求索，以浓淡墨色表现色彩的变化，使黑、白、灰可以纯粹且有力地表现画面层次，发展并完善了水墨画的技法。

五代时期，以“荆、关、董、巨”为代表的南北两派山水画家，进一步巩固了水墨画在中国画中的主流地位。随着经济的发展，水墨画在宋代的发展也进入了兴盛的阶段。上至统治者，下至百姓都喜爱绘画，皇家画院的设立，市井绘画的繁荣，使宋代画坛人才济济，苏轼、米芾父子、梁楷等人，共同促成了水墨画的持续演进。

元明清时期，水墨画进入新的发展阶段，艺术创作异彩纷呈，从“元四家”到“吴门四家”，再到八大山人等，共同谱写了中国水墨画的续章。千余年间，无数的绘画艺术家用卓越的笔墨技法，丰富的绘画理论，在山水、人物、花鸟等不同画科中一起构建了中国水墨画脉络，并在不断演变中发展传承至今。

水墨画中的意境是一个值得关注的话题。“意境”最早来源于我国诗歌总集《诗经》中的“兴”，原是诗歌的一种修辞手法，意指诗人通过描绘客观形象，抒发内心情感，使人回味无穷。到了唐代，王昌龄在《诗格》中提出诗有三境：物境、情境、意境，首次提出“意境”。后来司空图提出的“思与境偕”将“意境”引入美学范畴。王国维的“境界说”确立了意境在美学中的重要地位。

中国的艺术创作向来追求“味外之旨”。在水墨画中，对意境的追求更别有深意。意境是水墨画与其他画种，尤其是西方绘画的本质区别之一。唐代张璪提出了著名的“师造化”理论，它既非简单的描摹自然，也非忽略客观真相，而是将二者相互渗透，达到情与景汇的艺术效果。在水墨画中，意境是核心的美学追求，无论是山水、人物，还是花鸟，都讲求将无形的思想感情融入有形的物象中，达到以情入景、借景抒情的境界。

水墨画具有情景交融的意境之美。中国水墨画以毛笔、墨、宣纸为工具，于水墨相调之中产生变化，笔墨语言至关重要。笔法有平、圆、留、变、重等变化，墨也分浓、淡、破、焦等区别，通过不同的作画技巧，能产生浑厚、通透、轻薄、整齐、凌乱等多种画面效果，从而引发苍劲、老辣、柔美、朴拙等多种审美体验。这是十分巧妙的变化，也是水墨画所独有的美感。在水墨画中，通过笔墨技法，将所描绘对象的神韵刻画得淋漓尽致，达到气韵生动的境地。南宋时期画家梁楷为其中代表之一。梁楷是南宋时期的院体画家，但他的艺术追求有别于普通院体风格，常以泼墨减笔的手法描绘，尤擅人物画。在其代表作品《泼墨仙人图》中，梁楷以旷达的笔墨、夸张的人物造型刻画了一位仙人的形象。画面中的“仙人”大敞着衣襟，露出胸腹，面部的五官挤作一团，额头却十分宽大，下巴蓄满胡子，憨态可掬。整个形象显得戏谑、脱俗而自由。作者以洗练的线条进行勾勒，后辅以大笔侧锋描画，在用墨上变化多姿。人物近处的肩部为浓墨的“黑”，上衣袖子部分为淡墨，裤子为浓淡之间的“灰”，而人物面部、腹部皆为没有用墨的“白”，这样的浓淡变化，使整个画面层次丰富，人物生动出彩。梁楷将笔墨变化之妙作为其艺术表现的根本特征，以不拘泥于陈法的创作在水墨画中达到以笔墨传神的效果，为后世大写意水墨画奠定了基础。

笔墨，是水墨画的本质语言，它不是孤立存在的，而是以变化万千的形式，凝聚着水墨画和中国传统文化独有的精神内涵。通过一笔一墨，搭建画家精神与客观物象之间的桥梁，为水墨画中的意境之美提供了生长的沃土。

在中国的书法、绘画中，还有“计白当黑”的美学要求，意指将画面的虚处当作实处一样去安排布置，虽无着墨，亦能成为整体的重要组成部分。清代华琳在其绘画理论著作《南宗抉秘》中说，“夫此白本笔墨所不及，能令为画中之白，并非纸素之白，乃为有情，否则画无生趣矣”。可见画面中的留白与虚实相生的意境之美是密不可分的。水墨画创作中的“留白”亦是构成作品意境的表达方式，在物的表象之外，传达更深层次的精神韵味。南宋四家之一的马远，便将“留白”这一手法发挥至很高水平。《寒江独钓图》是马远的代表作品之一，画中描绘了一位高隐的渔父，独自坐在一叶小舟上，手中的钓竿垂至江面。画面其余部分皆以空白表现，大胆地将人物放置于水面中心，使观者在这大片的留白中真正体味到“孤舟”的辽阔空旷之感。可以直接看到的是钓鱼的老翁，但稍加回味，其中便有无尽辽远的诗意涌出。这便是水墨画中的“画外之象”与“味外之旨”。画中的渔夫及扁舟为实，空茫的背景为虚，通过留白，突出了虚实相生的意境之美，这样的内涵正是中国美学的独特追求，是将情汇于景的高度表现，是看似简淡，实际蕴含着丰富意境的美学符号。

禅道思想也影响着中国水墨画的意境之美。禅宗是融合了中国本土的老庄思想与印度佛学的产物，受到许多文人隐士的推崇。其中的“明心见性”“发明本心”等思想都与文人隐士的追求相吻合，不仅反映在他们的人生哲学上，也隐含在他们的创作中。水墨画所追求的“象外之象”，正是禅意的体现。元代社会动荡，文人画家多隐居山林，在与自然亲密接触间修习禅宗，他们的作品所传达的意境也多受禅道影响，表现出简淡、脱俗、自娱的倾向。如元四家中的倪瓒，作画以自娱标榜，称“仆之所谓画者，逸笔草草，聊以自娱耳”。其代表作品《渔庄秋霁图》，画面十分简淡，近处几株树木屹立，中景以留白的形式描绘了平静的湖面，远处寥寥几笔带过远山，整幅画面宁静之至，仿佛一处荒无人烟的世外之地，传达了倪瓒简淡安逸的思想境界。这种意境正是其在参禅悟道中所领会的，他所呈现的是一个自然、平淡的世界，体现了禅宗思想中幽静辽远的意境。禅道思想对传统水墨画的影响在于精神，画家体悟修习禅道，无形中将自己的人生追求、哲学思考赋予到艺术创作中，为水墨画的意境之美增添了更具深度的思考及内涵。

水墨画作为我国传统绘画艺术，在千余年的历史流脉中，成为中华民族独有的美学领域，而其本质的艺术追求之一便是意境美的营造。水墨画通过笔墨技法的传神，画面留白的虚实相生，禅道诗情的思想领悟，将画家的精神世界与客观物象相结合，在创作中寻求统一，达到言不尽意、立象以尽意的美学境界，给予观者无穷的想象空间。

（作者：戴静怡，系首都师大美术学院博士研究生）

(光明日报)