抄袭也能成就艺术吗「剽窃他人作品」

大家好，抄袭也能成就艺术吗「剽窃他人作品」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

格伦·布朗《Spearmint Rhino》，194×260.5cm，2009年

格伦·布朗是英国艺术家，英国年轻艺术家（YBA）中的一员，以“抄袭”他人画作而出名。从伦勃朗、梵·高的画作到当代艺术家克里斯·福斯、乔治·巴塞利兹的画作，都是他“抄袭”的素材。

“抄袭”狂人

格伦·布朗（Glenn Brown）在创作中十分爱挪用其他艺术家的作品，并在他们作品的基础上进行创造。他的这一行为常常遭到其他艺术家的不满，“抄袭”的骂名不绝于耳。甚至在2000年时，他曾因为涉嫌抄袭安东尼·罗伯茨（Anthony Roberts）为科幻小说《Double Star》创作的封面而被起诉。

艺术家格伦·布朗

被指抄袭的作品《Ornamental Despair》在2002年以570万美元的价格售出

格伦·布朗“抄袭”的范围十分广泛，不仅许多当代著名艺术家的作品是他创作的原材料，他还将眼光放到了艺术史中伟大的作品上。像委拉兹开斯、伦勃朗、德拉克罗瓦、库尔贝、雷诺阿、梵·高、达利的画作都曾被他“抄袭”过。

格伦·布朗《On the Way to the Leisure Centre》，122×244×2.2cm，2017年

格伦·布朗《Marie Berna/Die Toteninsel》，160×100cm，2014年

对变化的着迷

但其实，格伦·布朗并不是简单的抄袭，他享受把已有画作从熟悉转化到陌生的过程。格伦·布朗对图像在复制时的变化十分着迷，这一点从他素材的选择上就能看出来。他从不将他人原作作为自己的创作素材，而是从明信片上、书中或是网上的复制品中获取素材。

格伦·布朗《Poor Art》，108.5×74cm，2016年

格伦·布朗《In My Time of Dying》，133×99cm，2014年

那些经过二次传播的画作，由于存在着印刷或是格式转化过程中的不准确，形成了或多或少的纹理不清、颜色失真和大小景别的变化。格伦·布朗把这些偶然的变化作为自己绘画策略的一部分。

格伦·布朗《Daydream Nation》，112×80cm，2017年

格伦·布朗《Come to Dust》，115×71cm，2017年

但那些微小的变化对于格伦·布朗来说还远远不够。当他从上述媒介中选定一幅艺术家的画作后，他会把这幅作品放到电脑上，然后通过图像处理软件截取、扭曲、拉伸、翻转图像、改变图像颜色来制造一种陌生感，以满足自己的审美需求。

格伦·布朗《Shallow Deaths》，70×57.5cm，2000年

格伦·布朗《New Dawn Fades》，71.5×62cm，2000年

经过一系列处理后的图像才是格伦·布朗真正要在画布上呈现的，“虽然我使用的是借来的图像，但我把它们用你从未见过的方式组合在一起。”

格伦·布朗《The Alabama Song》，147×120cm，2007年

格伦·布朗《A Sailor"s Life》，163×120cm，2011年

在格伦·布朗组合的世界中，我们总能发现一些有着黄色的蛀牙、浑浊的眼球、不自然的皮肤颜色，或是没有头的人物形象。这些难看甚至让人有些不适的变异形象散发着病态的、令人毛骨悚然的暗黑氛围。

格伦·布朗《Die Mutter des Kunstlers》，200×162cm，2016年

格伦·布朗《Nigger of the World》，172×138cm ，2011年

他就像个叛逆少年，用画作挑战着人们的接受能力。“在文学、电影和音乐中，有很多东西让你感到厌恶和威胁，为什么艺术就不能？” 格伦·布朗希望通过作品带给人们的厌恶感和威胁感，让人们爱上更多以前认为不可爱的东西。

格伦·布朗《Life on the Moon》，100×78.5cm，2016年

格伦·布朗《War in Peace》，116×87cm，2009年

格伦·布朗不仅追求图像的变化和重组，在作品的命名上，他同样寻求变化和不同。他的作品名称往往和作品没有关联——许多作品都以专辑名、电影名、科幻文学名而命名。没有了具有说明性的标题后的作品，变得更加不稳定，它们随着人们的想象不断变化着主题。

格伦·布朗《New Plastic Experiences》，156×115cm，2016年

格伦·布朗《Ride a White Swan》，190×151cm，2017年

艺术大师的时间旅行

曾经有人非常好奇地问格伦·布朗：是否渴望摆脱历史，在画布上描绘完全属于自己的东西？然而他却非常坚定地回答：“不，即使我坐在田野里画着花，莫奈、雷诺阿、拉图尔也会影响着我。”

格伦·布朗《Necrophiliac Springtime》，200×323.6cm，2013年

格伦·布朗《Darsham Songs》，82×129.5cm，2016年

格伦·布朗从未想过摆脱艺术大师的影响，而是通过将几十年甚至数百年前的画作扭曲、变形，以一种时间旅行的方式，把那时的艺术家带到人们面前。这跨越数百年的自信源于格伦·布朗相信人类感知情绪的方式和前人是相同的——我们依然期待爱，我们依然害怕死亡。

格伦·布朗《Theatre》，122×93cm，2006年

格伦·布朗《Suffer Well》，157×120cm，2007年

到目前为止，格伦·布朗的创作方法一直保持不变。只不过从2003年以来，他开始从文艺复兴时期和19世纪现实主义作品中寻找“抄袭”素材，因为那些画作远远超出了版权范围，能在一定程度上避免抄袭的指认。

格伦·布朗《Let"s Make Love and Listen to Death from Above》，231×192cm，2017年

格伦·布朗《This Island Earth》，274×183cm，2017年

尽管格伦·布朗的作品一直争议不断，但他还是凭借画作中创新的色彩搭配、飘逸细腻笔触以及艺术史与流行文化元素的出色结合，引起艺术界的广泛关注。他曾在2000年被提名特纳奖，他的作品也在全球多个艺术馆和重要艺术展上展出。

格伦·布朗《Sizewell C》，75×60cm ，2016年

格伦·布朗《Sizewell C》局部，75×60cm ，2016年

艺术评论家Michael Bracewell曾这么评价格伦·布朗：“相对于被挪用作品的历史地位，格伦·布朗更关心它们实现自己创作目的的能力。”挪用大师作品并不是他创作的噱头，也不是他没有创造力的表现。而至于格伦·布朗有没有“抄袭”，答案就因人而异了。

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[编辑、文/叶明珠]