分析中国文人画的形成与发展「一口气读懂美国史」

大家好，分析中国文人画的形成与发展「一口气读懂美国史」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

（一）文人画鼻祖画家——唐代诗人王维

在中国古代，唐代有一位全才田园诗人，他创作出许多千古流传的经典诗句，如“大漠孤烟直，长河落日圆”，“明月松间照，清泉石上流”，“人闲桂花落，夜静春山空”等诗句，被后世千古传颂。

宋代文人苏轼，高度评价他“画中有诗，诗中有画”，在王维的田园诗中，你能体会到诗情画意的画面感。

他就是唐代著名的田园诗人——王维。

但是，千万不要以为，王维仅仅是一个精通诗词创作的诗人，田园诗人王维，如同西方美术史上的文艺复兴天才巨匠达芬奇，是一位综合全才，王维不仅精通田园诗歌的创作，同时还精通绘画，书法，音律。

对于唐代诗人王维，在书画上的艺术成就，对后世的深远影响，丝毫不亚于诗词创作上的成就。

为什么说王维在书画上的成就是功不可没？想必王维的书画作品，相比同时期唐朝的绘画作品，蕴含许多突破创新之处。

接下来，我们先欣赏一下同是唐朝的画家，宫廷画家周昉的作品《簪花仕女图》和王维的作品《伏生授经图》。

周昉《簪花仕女图卷》 王维《伏生授经图卷》

在唐代，虽然涌现出了许多经典历史题材的宫廷绘画作品，如宫廷画家阎立本的《步辇图》《职贡图》，但是，在唐玄宗之后，由于国势渐衰，鲜有重大历史题材画的诞生，画家们开始把绘画视角转向创作宫廷妇女的宫中生活，比如画家周昉的作品《簪花仕女图》，就是描绘宫廷妇女悠闲的生活，而王维的作品《伏生授经图》，画中描绘了一个努力教书的先生，孜孜不倦地把知识，学问传授给学生。

那么，对于画家王维的作品《伏生授经图》和周昉的作品，其区别在哪里？

1从创作取材而言，由于画家周昉，是宫廷画家，在中国古代的宫廷画家，如同西方的美术史上的宫廷画家，所以作画完全没有自己的自由，宫廷画家作画，必须迎合皇宫贵族的审美口味，宫廷画家，必须为皇帝贵族作画，用画笔记录重大历史事件，记录宫廷贵族生活。

如周昉的作品《簪花仕女图》，正是描绘宫廷妇女悠闲惬意的生活，而画家王维的作品《伏生授经图》，画中孜孜不倦耐心传授知识学问的老先生，是画家王维自身有感而发的灵感。

自秦始皇焚书坑儒之后，伏生依靠自己记忆中的知识和学问，一点一滴地记录下来，传授给后人，画家王维觉得用画笔记录伏生传授学问意义重大，于是有感而发创作，所以相比宫廷画家，王维创作是自由自在，不受任何约束的绘画创作。

2从两幅画面的设色上来看，周昉画笔下的仕女，设色浓艳，以朱砂色为画面主色调，渲染富丽堂皇，绚烂华贵，尽显宫廷的奢华富贵的风格，而王维画笔下的盘膝而坐的伏生，仅用墨分五彩着色，不着浓艳华丽的色彩，仅以水墨营造画面淡雅的氛围，为以后文人画朴素，简淡，素雅的意境提供了铺垫。

周昉《簪花仕女图》 王维《伏生授经图》

3从两幅画中的的人物形象而言，在周昉画笔下，或拈花，或拍蝶，或戏犬，或赏鹤的宫廷妇女，其面部肌肤被画家严谨细致的笔法，晕染成娇嫩丰腴的肌肤，衣着薄纱，如绮罗女子般，尽显宫廷贵妇的丰腴脂粉味，罗薄透凝脂的轻柔，富态雍容的华贵。

而王维画笔下的伏生，盘膝坐在蒲团上，一副瘦骨嶙峋的形象，不及周昉画中宫廷妇女艳丽华贵的服饰，也不及宫廷绘画中帝王将相的尊贵之气， 但是却显秀骨清像的读书人气质。

诗人兼书画家王维，是中国美术史上，文人画的鼻祖，是因为王维的画作中，其自由自在，不受院体画的创作束缚，其画中素雅，简淡，朴素的意境，为以后文人画的技法，思想，表达方式，意境，影响深远，做好了铺垫，所以王维是文人画的先驱画家。

（二）文人画，宫廷院体画的区别

张萱《虢国夫人游春图》 赵孟坚《墨兰图卷》

1从创作主题而言

宫廷院体画，通俗地说，宫廷画家们是为皇宫贵族创作的，自然取材于宫廷贵族的日常生活，如作品《虢国夫人游春图》《捣练图》《簪花仕女图》，或是用画笔记录重大历史事件，如作品《职贡图》《步辇图》，或是为帝王将相画像，如《历代帝王图》。

而文人画创作，由于文人画家，创作不是如宫廷画家般受皇室的束缚，所以创作取材是自由自在的，文人画家，大多不画宫廷帝王贵族的生活，而喜欢以大自然中的梅花，兰花，竹子创作。

2从表现风格，技法，创作思想而言

宫廷院体画，正如西方美术史上的学院派正统绘画，提倡形似，严谨的法度，如西方学院派油画，要求画家遵循严谨的法度，要求画家具备很强的写实功力，对物象进行精细，工整的描绘。

五代画家黄筌父子的花鸟画作品，代表了宫廷院体画的要求，宫廷贵族的审美风尚，黄筌父子画笔下的花鸟，勾勒晕色，注重精细，严谨，精巧的画风，在黄筌画笔下的珍禽瑞鸟，经过画家的勾勒，填彩，精细到每一只鸟的形体特征，组织结构，羽毛鳞甲都描绘得严谨准确，可见宫廷院体画家，特别注重画面的形似和质感，形象的生动逼真，精密不苟的刻画。

宫廷院体画家，创作必须按照宫廷的要求和法度，不能越雷池半步，所以宫廷院体画，难免会限制画家的思想和个性，宫廷院体画，难免流于刻板，柔媚，平庸的死胡同。

而文人画家，由于不受宫廷院体画，其规矩法度的约束，所以文人画家，无论是从创作取材，表现手法，创作思想而言，都是自由自在的。

对于宫廷院体画家，由于皇宫画院的要求和法度，绘画创作不敢越雷池半步，而文人画家，自王维以来，一直提倡随性地画画，不受约束地画画，所以文人画家，是不及宫廷院体画家那么注重写实功力的技巧。

对于文人画，是读书人自我消遣，自我表达的一种方式，突破院体画对形似的要求，文人画，是画家借助笔墨情趣，抒发自己主观情感，借物抒情，借景抒情的笔墨意趣。

如文同画竹，并不是为了画竹而画竹，是为了寄情于墨竹，把竹子人格化，文同画竹，画笔下的墨竹，象征文人高洁的气节，正如苏轼所说：“君子可以寓意于物”，正好表达了文人画，其超然物外的思想。

以上三幅国画作品，一幅是宫廷院体画家黄筌的作品《写生珍禽图》，一幅是其子黄居寀的作品《山鹧棘雀图》，一幅是大文豪苏轼的画作《竹石图卷》，你是否就能分辨出哪一幅是文人画，哪一幅是宫廷院体画？

赵昌《岁朝图轴》 杨无咎《四梅图卷》 牧溪《渔村夕照图》

3从画面设色而言

宫廷院体画，一般画面设色浓艳，呈现宫廷富丽堂皇，华贵艳丽的审美风尚，比如宋代宫廷画家赵昌的作品《岁朝图轴》，画家以精细入微的笔法，设色大胆采用红色，绿色对比色的强烈对比，营造一个丰富华丽的宫廷色彩效果，处处散发宫廷华丽芬芳的气息。

而自文人画兴起之后，你是否发现，国画作品中，其浓艳丰富的色彩已经逐渐被素颜的水墨画取而代之。

在唐代时期，涌现许多色彩艳丽的国画，如《明皇幸蜀图》，李思训父子的青绿山水画作品，金碧山水画作品，但是文人画作品，通常不着浓艳亮丽的色彩，通常以墨色替代五彩缤纷的色彩。

但是，在文人画家画笔下，以墨分五彩，如淡墨，浓墨，湿墨，干墨表达画面丰富的层次，正如文人画家文同画笔下的墨竹，深墨为面，淡墨为背。

文人画，追求笔墨意趣，追求画家主观营造的意境，文人画，之所以以墨色取代艳丽丰富的色彩，正如五色绚烂渐老渐熟，乃造平淡，既雕既琢，复归于朴。

哪怕文人画家钱选，文征明，唐寅，赵孟頫，黄公望，王蒙等画家，在绘画创作中复兴了色彩的运用，但是多表现优雅恬淡的色彩，略施丹朱，杜绝艳丽富贵的色彩。

文同《墨竹图》

（三）文人画的发展史

对于文人画而言，发展到元代时期，在元代时期，文人画已经发展成了绘画的主流，但是，文人画鼻祖是唐代画家王维，后经苏轼，文同极度推崇的文人画思潮，在元代形成了文人画主流。

但是，在北宋后期，经苏轼，米芾，文同的大力倡导，文人画已经形成了一种艺术思潮。

宋代的文人画，对后世元代的文人画发展，影响深远。

1宋代文人画

在宋代的文人画家，包括苏轼，文同，米芾，牧溪，郑思肖等等。

其中苏轼的作品《枯木怪石图》，其画中的文人画表现技法，思想风格，深刻影响了后世文人画的发展。

苏轼的名言：“论画以形似，见与儿童邻”，充分说明画家苏轼，是极度反对形似，严谨，细腻精致的院体画中规中矩的风格，在绘画中追求主观意趣，不求形似，以物寄情，抒发文人修养和品格，不求形似，抒发胸臆，寓意抒情。

正如苏轼画笔下的枯木，虬屈的姿态，如顽强挣扎，气势雄浑的身躯，似冲破画外，苏轼画笔下的怪石，盘旋如涡，强烈的运动感，迸发出顽强不屈的生命力，苏轼画笔下的枯木，怪石，处处散发苏轼内心的不平之气，正如他提倡的文人画的追求“象外之意”，寄情于枯木怪石，展现自己豁达，豪放的真性情。

而画中沉郁，荒凉的意境，深刻影响了后世文人画的意境。

苏轼《枯木怪石图》

米芾父子是宋朝有名的文人画家，米芾父子首创的米家山水，独具艺术特色，对后世的文人画发展影响深远。

在米友仁的作品《潇湘奇观图》，是米点山水的典范作品。

在唐代的青绿山水作品中，通常以勾线填彩的传统造型方式创作山水画，而米家山水，之所以是独具艺术特色，如米友仁画笔下的山水表现风格，一改唐宋以来的勾线填彩技法，而不取青绿山水的工细，不仅仅以墨分无色取代青绿山水的繁琐色彩，运用墨分无色的浓淡变化，营造烟云氤氲，雾气升腾的意境。

李昭道《明皇幸蜀图》 米友仁《潇湘奇观图》

画家米友仁，突破勾线填彩对形似的束缚，墨色渲染，营造云烟空灵飘渺的意境，远山隐于淡墨中，或是粗线勾勒，再以大笔触渲染，这种大肆渲染，墨水相融，营造画面气势恢宏，云雾缭绕，天地苍茫的意境。

你是否发现，相比唐朝青绿山水画，米点山水绘画风格，大肆墨色渲染的写意风格，显得更加简淡大气，以一当十，以简代繁，以少胜多，为后世文人画发展奠定了基础。

2元代文人画

为什么在元代时期，文人画，会发展成绘画的主流？有以下原因

首先，因为南宋灭亡之后，从事宫廷院体画创作的画院，由于江山易主，所以逐步衰败，而归隐山林的文人画家，自然而然成为绘画艺术创作的主流画家。

其次，由于元代，皇家御用画院的解体，所以画家们创作绘画作品，不再受画院的束缚，所以绘画创作，是随心所欲，自由自在的创作，其创作技法，创作思想，表现风格都是由画家自己自由创作。

最重要的是，在元代，统治者不重视文化艺术的发展，许多郁郁不得志的文人，选择归隐山林，文人隐居成为当时社会的普遍现象，不得志的文人士大夫，在书画艺术的世界中，尽情地抒发自己的主观意兴，畅游在山水间自由的书画艺术中。

说起元代文人画家，不得不提元代重要的画家——元四家之一画家倪云林。

倪瓒《安处斋图》

不难发现，画家倪瓒的山水画作品，尽显简淡，朴素，淡雅，荒寒的意境，画家倪瓒的传世经典作品，是文人画的典范。

对于画家倪瓒的山水画作品，不难发现，对于画面构图，通常是固定的三段式程式化的构图，近景几株枯树，中景不着笔墨的留白江水，远景淡淡的远山。

在倪瓒“一河两岸”的程式化构图中，近景的几株疏树旁，通常着一座毫无人际的孤亭，画中的孤亭，是画家倪瓒在画面表达心灵寄托的画眼。

孤亭，四面皆空，供人休息，却不是人类最终的归宿，更不是人类最终的心灵寄托的归宿。

画中孤亭，是画家倪瓒表达寄情于物，象外之意的孤亭，是画家内心漂泊无依，孤苦无依的寂寞的心境。

倪瓒《容膝斋图》《紫芝山房图轴》《江亭山色图》

画家倪瓒，年少生活富足优越，养成清高孤傲，洁身自好的人生态度，终日饱读诗书，不问世事，但是无奈家道中落，晚年老无所依，深受漂泊天涯之苦。

所以画家在绘画创作中，常画孤亭，暗喻人的一生犹如一座孤亭，一生居无定所，在浩瀚苍茫的宇宙中，独临空荡荡的浩瀚宇宙，画家倪瓒的作品，虽然不及北宋全景式山水恢宏博大的气势，但是画家以自身漂泊无依的孤苦命运，以小见大，在画中思考着整个宇宙，人类整体的命运和归宿。

在倪瓒的作品中，呈现寂寞，空旷，荒寒萧条的无人之境，尽显繁华落幕，万物，万籁归于静寂的心境，在倪瓒画中的无人之境，尽显文人画中静气的意境。

宋代米友仁《云山图卷》 元代倪瓒《安处斋图》

你是否发现，元代文人画，相比宋代，更加注重作品的文学系，诗情画意，元代山水画中的诗词，相比宋代文人画中的诗词，占画面很大比重，多达百十字数十行，以此彻底突出画面的诗情画意。

所以古代文人画家，是集作诗，作画，书法身兼三任的全才画家。

3明代文人画

在元代文人画家倪瓒的作品中，逸笔草草，惜墨如金的绘画世界中，尽显寒冷寂静，淡泊宁静，不食人间烟火的无人意境。

而欣赏明代文人画家，文征明的国画作品，却不难发现，作品《松声一榻图》《茂林清泉图》《林榭煎茶图》《溪亭客话图轴》中，相比画家倪云林作品中的无人之境，画家文征明在山水画的创作中，恢复了人物的描绘，相比倪瓒画中空旷，荒寒，孤寂的无人之境，增添一丝人间烟火气，在气势恢宏浩瀚的大自然山川中，人物却显得渺小，实现天人合一，物我相融的境界。

文征明《林榭煎茶图》《西亭客话图轴》《茂林清泉图》

在元代时期，画家倪瓒的作品的空旷之境，而在明代的文人画，如画家文征明的文人画作品，多是用画笔描绘画家自身当下最直观的心灵感受，他时常创作生活中的场景，如会友，喝茶，荡舟，送别。

如作品《东园图卷》中，画家描绘了各色文人雅士的活动场景，或是赏玩书画，或是品茗抚琴，或是宴乐对弈，充分表达了文人雅士隐居的惬意生活。

相比元代文人画家倪瓒画中，其淡墨素雅，简淡朴素的萧瑟之境，明代的文人画，发展成了画家们的即兴创作，如画家文征明，绘画创作注重当下最直接的即兴创作方式，画现实生活中感发自己心灵的契机。

虽然，在文征明的绘画作品中，恢复人物的描绘，注重画面的活趣，但是在明代文人画作品中，包括文征明的绘画作品，其画面依然延续了元代文人画，如倪瓒国画作品中的“静气”。

文征明《东园图卷》

对于文人画中所追求的“静气”，并不是单纯粗浅地追求外在环境的安静，也不是单纯追求心灵上的宁静，而是追求一种超脱的宁静，消解一切心灵的束缚，赢得心灵深处的宁静和平和。

正如文征明的作品《真赏斋图》，画家采用苍劲，沉稳的笔触中，营造一个无隐的世界，荡去时间变幻的因素，仿佛一个静止的世界，营造恒古不变的寂静，超越尘世充满静气的真实。

文征明《真赏斋图》

4清代文人画

在元代文人画家，倪瓒的作品中，其无人之境，无时无刻都在呈现画面不沾染一丝人间风尘的静气，在明代文人画家，文征明在国画创作中又延续发扬了文人画作品中的“静气”。

但是至清代的文人画作品，如清代文人画家石涛的国画作品，却别有一番风味。

文人画，追求静气，自许多文人士大夫隐居之后，更加注重文人画中表达画家自身远离尘世纷扰，追求内心安静淡泊避世的静气，正如画家南田曾说，画至神妙处，必有静气，画家倪云林，在画中无时无刻追求无人间烟火的静气。

但是在清代文人画家石涛的作品中，不难发现，石涛画笔下塑造的山体，其一圈一圈的笔墨，充满躁动豪放的笔触，是与文人画所追求的静气是大相径庭的。

石涛《金山龙游寺册之一》《金山农游寺册之二》

对于画家石涛，是一位创新型的文人画家，突破形似，突破法度，突破文人画一贯以来的静气。

照理说，石涛画笔下，其笔墨的躁动之气，是不符合文人画静气的意境，但是，如果细看，画家石涛作品中的意境，是在躁动旋转中追求静气。

如作品《金山龙游寺册之一》，山体以干笔横扫出一致的趋势，营造画面飞动的气势，而江水留白，仅一叶扁舟，泛舟湖上，营造一动一静中的意境。

画家石涛，画中笔墨的躁动之气，飞扬灵动的豪气，是画家进行绘画创作中，真性情的真实流露，直抒性灵。

画家作品中的躁动，体现在笔墨的躁动，还体现在画面怪诞的风格上，作品《山水册之一》中，画家画一峰突起，怪石嶙峋的怪诞造型如五指，营造千年奇崛的恒古宁静。

石涛《山水册之一》

对于画家石涛，其山水画中的躁动，不仅仅体现在他躁动的笔墨，怪诞的造型上，还体现在他对文人画中色彩的突破创新之处。

对于文人画而言，如王维，倪瓒，苏轼，董其昌，米芾，徐渭的文人画作品，以墨分无色，或者淡逸之色，营造画面素雅，高洁，简淡的意境。

而石涛画笔下的用色，却突破了文人画，仅用水墨的素雅意境，石涛画笔下的花卉，尽显浓艳的色彩，浓妆艳抹的装饰风格。

画家石涛，并没有走倪云林，其简，疏，冷，寒的绘画风格，石涛的花卉写意作品，是对色相世界的超越，沉稳的色彩，丝毫不见媚俗，平庸的匠气，作品中的色彩，是画家性灵的色彩，而不是客观描摹的色彩，同样是画家真性情的流露，利用花卉营造的野趣。

石涛《杂画册之二》《花卉册之四》

结语

从文人画的发展和变革中，你是否发现，在各个时代，画派的文人画派中，作品呈现不同风格，不同意境，不同思想的变化。

明代画家董其昌，提出“南北宗论”，北宗是注重功力，规矩，法度的院体画，南宗是注重天趣，气韵，个性的文人画，王维是南宗之祖。

在董其昌提出的“南北宗论”，由此看出董其昌是特别推崇文人画艺术，崇尚文人画中营造的含蓄，空灵，平远的意境，其天真幽静，古朴天然的境界，为中国美术史上的国画艺术，增添了耀眼，光彩，辉煌的一笔，文人画艺术，占据举足轻重的艺术地位。

文人画艺术，献给我们一个清新淡雅，与世无争，远离尘世纷扰的恬静，安宁的绘画世界。

参考资料：

1.《写给大家的中国美术史》 ，蒋勋

2.《南画十六观》，朱良志

3.《中国美术史纲要》，黄宗贤