看不懂艺术展的时候 你就感受到了艺术的美「看完美术展的感受」

大家好，看不懂艺术展的时候 你就感受到了艺术的美「看完美术展的感受」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

逛艺术展越来越流行了，但艺术作品和观众之间的“隔阂”却不见减少。难道看不懂就是艺术本身吗？

当你看艺术展的时候，你在看什么？

去年，在广州时代美术馆的“奥马尔·法斯特：看不见的手”展览上，一位观众找到工作人员，气冲冲地要求退票。

理由是：现场的艺术作品“不好看”，“而且馆内原来高大上的拍照‘圣地’也被展览的布置遮住了”。

在这个名为“看不见的手”的展览里，观众先是通过电梯，来到了一个类似“家门口”的地方；当观众推开右边的门，就会看到一个跟普通医院没什么区别的急诊室……整个展览由一些日常的场景和几个VR影片结合起来。

你没有走错，这就是你参观的展览《看不见的手》。/ 广东时代美术馆微信公众号

如果没有事先了解作者背景，确实很难明白创作者的意图，是通过一些日常的片段，来体现那些在无形中影响我们生活的经济和文化。

艺术作品“不易懂”，确实是很多人从展馆里走出来的第一感受。

关于“看不懂的现代艺术”，本不是新鲜事。90多年前，马塞尔·杜尚凭借一个小便池成功颠覆了艺术史，让不少人高呼“艺术已死”。

一个从商店里买来小便池，签上名字送到展厅，就可以成为艺术，那艺术还有存在的必要吗？

马塞尔·杜尚《喷泉》

莫奈的《日出》和梵高的《星空》等印象主义作品中所展现出来的大自然之美，即使是普通人都能感受得到，但像是康定斯基的抽象表现主义画作和达利的超现实主义画作，就不是所有人都能欣赏得来了。

康定斯基《构成VI》

艺术品和观众之间的隔阂一直存在，但近些年来，逛展却成了年轻人的时髦生活方式。

更有甚者，某些艺术展摇身一变成了网红，受到年轻人的疯狂追捧。这样的艺术展，在包装上往往给人一种“时尚、前卫”的视觉冲击，再加上所谓“浸入式体验”的新奇，往往让年轻人心甘情愿排队掏腰包。

各大艺术展逐渐成了年轻人周末打卡拍照的好去处，甚至有带着拍摄团队去看展的人。

也许，对很多人来说，艺术作品本身并不重要，能拍到好照片才是要紧事。

时髦青年的标志之一：逛艺术展

整个暑假，在微信朋友圈里，除了环游了世界，我还云参观了不少艺术展。在为朋友们的生活品质感到欣慰的同时，我顺手打开了豆瓣同城，想看看我还能赶上什么展。

周末去哪儿？继看电影、逛街、吃饭之后，逛展成了年轻人的新选择。这些年来，艺术展真的火起来了。

购物商场纷纷引入了艺术展。/广州K11公众号

2017年，北京佩斯画廊举办了日本多媒体艺术团队的《team Lab：花舞森林与未来游乐园》艺术展，没想到的是，这场原本实验性极强的小众艺术展，“误打误撞”地成了在国内大受欢迎的网红展。

从开幕之初，展览天天爆满，为此展期直接从夏天延长至11月下旬。盛夏滚烫的阳光并不能阻止人们排队看展的热情，为此展区物业还专门在排队区域架设了冰凉喷雾。

易烊千玺&teamLab全球首度合作。/新浪微博

很多前来看展的人，根本没来得及好好感受这个作品。毕竟是带着拍照和发朋友圈的“任务”来的，不停地在光和影之中尝试各种拍照姿势，才是此行的正确打开方式。

在之后的巡展里，这场展览的口碑愈积愈盛。在深圳5个月的展期，参观人数就达到了38万，缔造了中国有史以来艺术展览的最高票房。

其实，买票的观众里，除了部分从业者和专业人士，从没听说过这些艺术家的大有人在。但驱使人们走进艺术展的，除了对艺术世界的好奇心，更多是因为艺术这件事，“看起来很酷”。

艺术与生俱来的时尚基因，让它注定不甘沉寂。上个世纪50年代，安迪·沃霍尔让消费文化成为了艺术；如今，艺术正在成为消费文化的一种。

最明显当属世界奢侈品牌和艺术的联姻。为了赋予品牌更高的艺术价值，他们在设计上与艺术靠拢，甚至直接与艺术家跨界合作。Louis Vuitton与日本艺术家村上隆长达十多年的合作，成了其他奢侈品牌争相模仿的对象。

村上隆与LV男装设计总监Virgil Abloh。/村上隆新浪微博

一向喜爱从古典文学艺术中汲取时尚灵感的Gucci，与西班牙青年艺术家Ignasi Monreal有着多年合作。借助艺术家的艺术表现力，传说中的超现实古驰幻境被一一奉上。

除了与艺术家跨界推出系列时尚单品，众多奢侈品牌甚至都有自己的艺术主题展。从种种迹象来看，奢侈品牌的野心不单单在于跨界吸引目光，而在于让品牌具备艺术品般无上的价值。

去年，Hermès在上海举办了“寻迹前行”的艺术展览，而Parada则将上海百年宅邸“荣宅”改装成属于自己的展厅，不时承接艺术展。

PRADA荣宅内部。/PRADA官网

“艺术推动品味；品味推动消费。”LV的董事长深谙此道。品牌卖得越来越好的同时，也让艺术这种小众文化逐渐走进人们的生活，并且成为高级和时髦的代名词。

虽说艺术展是火起来了，但是那些适合拍照发朋友圈的网红展，才有资格享受最高人气。如果留心观察就会发现，近年来一些以“沉浸式体验”、“打卡圣地”为宣传的艺术展吸引了越来越多的观众。

Team Lab 的《花舞森林》可以说是第一波进入中国的网红展，正是它，掀起了“看展-拍照-打卡”的生活潮流。

出片率极高的拍照圣地。/teamLab官网

2018年3月，多伦多的安大略美术馆举办了“怪婆婆”草间弥生的《无限镜屋》系列展，售票处排队一度达到1700人的长度。

为了保证每个人都能进到展厅，更确切地说，为了保证每个人拍的照片里不会挤满了人，每位观众的参观时间被限制在20到30秒。

在中国，以“怪婆婆”草间弥生为名义的展览每年都有不少。在众多斑点和光影中，年轻人举起手机自拍，陷入一场又一场狂欢。

有趣的是，2018年，大量在中国的草间弥生作品展被控告是赝品。作品本身的真假，在以拍照为目的的观展中，似乎也不是很重要。

在网红艺术展走红之后，一些跟艺术没多大关系的网红展真身也纷纷出现。这些网红展被布置得跟大型摄影楼差不多，但有了那些糖果色的梦幻造型和炫酷的霓虹灯，就已经满足人们拍照打卡的需求了。

挖掘 “拍照圣地”，当代年轻人的绝活之一。/图虫创意

在好奇心词典里，“网红展”是这样解释的：“原装展品是背景墙，观众才是真正的展品。”现代人的打卡参展方式，正在成为奇观本身。

面面相觑的人们

真的看懂艺术了吗？

参观艺术展正在成为一种新的生活方式，但并不代表人们和艺术的距离就此消除了。很长时间以来，艺术、艺术家和大众之间的隔阂，一直存在。而且因为某些“过于前卫”的艺术展的出现，这样的隔阂还有越来越大的趋势。

近些年来，文森特·梵高在国内的爆红有目共睹。

但所有冲着梵高、毕加索等印象派大师名字去的观众，一定能理解他们的作品在表达什么么？

梵高《有乌鸦的麦田》

“强烈的色彩表达是很多人喜欢上梵高的原因，但更进一步的表达是什么呢？”

毕加索《曼陀铃和吉他》

“如何理解这幅画呢？我只好盯着这凌乱的画面，努力想从中找到一些熟悉的元素。找到了，是吉他。”

如果说在印象派之前，我们都还能从历史书里找到一些背景帮助理解，但在那之后，艺术就开始变成“魔术”了。

波洛克《Number 48》

“这凌乱无章的笔画，难道不是我们上课走神的涂鸦？”

赛·托姆布雷 《⿊板系列》你看懂了吗？

还有各种令人脑袋一嗡的装置艺术。

李禹焕《巨石与钢板极简哲学》

蔡国强 《撞向玻璃墙的狼》/新浪微博浅蟹灰

除此之外，令人最迷惑不解的，大概当属行为艺术了。

1952年，纽约的某音乐厅迎来了一场特殊的音乐会。很多人闻讯赶来，想听听特立独行的作曲家约翰·凯奇的最新作品《4’33”》。

但这场音乐会彻底激怒了当场的观众，成为了“史上最臭名昭著的音乐会”。因为在整整4分钟33秒里，钢琴家就坐在钢琴前一动不动，唯一一个动作是他突然起身，走下了舞台，留下了一脸茫然的听众。

表演者一动不动地保持这个姿势。

事后，约翰·凯奇解释道：在第一乐章里，观众可以听到外面风吹的声音，而后是雨点敲打屋顶的滴答声。“这部作品不是关于无声，而是关于聆听”。

可是，在不做任何解释的情况下，满怀期待买票进场的观众，哪里知道这会是一场彻底沉默、“关于聆听”的演奏现场？也许就连观众本身，也是整个行为艺术作品的一部分了。

事实上，对行为艺术家来说，他们的“前卫”作品真的并不局限于本身的行为和想法，有时还包含观众的反应。

日本艺术家小野洋子早期的一部行为艺术作品也实践了这个观点。1964年，她的行为艺术作品《切片》轰动了世界。

整个《切片》作品的表演，就是艺术家小野洋子穿着一件黑色的长裙，静默地坐在舞台上。演出开始之后，观众被邀请上台，拿起剪刀来剪她的衣服。

开始时，大家的动作迟疑且缓慢，之后，速度越来越快，不久后，小野洋子的衣服被彻底剪成了碎片。

和观众一起完成的作品。

让观众参与到艺术作品中，这件作品才算完成。而这件艺术作品，很明显是个开放题，参与的人和观看的人，各有所得。艺术家实验了思考的结果，而观众则被震撼，或者借以联想到了自身的生活。

看不懂，错不在观众，也不在艺术家。

从古至今，艺术都不是直接面向大众的。从人类早期洞穴里的壁画到中国古代的水墨画，再到欧洲中世纪的油画，他们的出现，都不是为了成为大众眼前的风景。

达芬奇《最后的晚餐》

人类的任何文化成果都是一点一点的叠加。人的寿命只有几十上百年，但人类文化却已经积累了几千年。

作家唐诺在某节目里谈阅读时说：人类的书写不是从原点开始的，这势必会对读者提出要求——你必须不是停留在原点的读者。

当你想尽兴读懂《百年孤独》的时候，也许应该先对拉丁美洲的现实有所了解；当你想尝试了解雅克·德里达的解构主义，你必须先有什么是结构主义的知识背景。

曾经有朋友在说到自己观看超现实主义绘画的感受，他说：除了艺术家和疯子，其他人根本看不懂超现实主义绘画，除非你对精神分析心理学很有一番了解和感受。

看不懂艺术作品，很正常。每个人都无须指望自己像艺术家一样思考，毕竟这是一群站在人类思想最前面的冒险家和疯子。

行动绘画先驱波洛克。

“迷惑行为”不等于“观念艺术”

艺术是难懂，但有些人的艺术行为就更加“难懂”了。

今年清明节，一位摄影博主在微博上发布了一系列艺术照。照片中，他赤身裸体地与父亲的尸骨躺在一起，吸引了大量点击。

这位博主打着“观念艺术”的幌子，试图挑战伦理以博人眼球。

近些年来，国内还兴起的一些挪移书法、针管泼墨等行为艺术——在人群的注视中，艺术家本人仿佛被附体一般颤抖，时而怒吼时痛苦，同时不忘往画布上“乱涂乱画”。

眼前这一幕十分眼熟，似乎像是中国“狂草”书法和波洛克的“滴画”（drip）再加上民间驱邪仪式的结合体。论艺术造诣，老百姓是看不懂，但要说那投入的表演，奥斯卡最佳表演奖非他莫属。

现代艺术市场，浑水摸鱼的不在少数，他们就是要让人“看不懂”，从而给自己“一本正经的胡说八道”留下无限空间。

美国艺术家索尔·勒维特在1967年为《艺术论坛》杂志撰写的文章中指出：“只有观念出色，观念艺术才会出色。”

1917年，马塞尔·杜尚将现成的作品“小便池”起名为《喷泉》，匿名送到美国独立艺术家展览。

他通过一具小便器表明了他的“观念”：艺术不再必须与美有关，它更多地关乎理念，而这些理念现在可以由艺术家选择任何媒介来实现。

换句话说，为了表达艺术家的理念，这个媒介可以是一个小便池，也可以是一个身体。

但如果有人再买另一款小便池送到展厅，恐怕它就真的只是小便池而已了。所以说某些人的“迷惑行为”，真的跟艺术没什么关系。

那些照猫画虎，胡弄玄虚的“艺术作品”，在哗众取宠、混淆视听的同时，也正在给艺术不断招黑。但这并不代表那些哗众取宠的作品会获得认可，因为时间自然会判断一件现代艺术品是好是坏。

看不懂的艺术，还要看吗？

2017年，自媒体大V顾爷写了一篇文章：《看不懂的艺术就是大便》。他认为现代艺术，和皇帝的新衣没什么两样。他甚至言辞偏激地把看不懂的现代艺术和大便相提并论。

既然都看不懂，那去看艺术展，还有什么意义吗？

有一次参观某个艺术展，我几乎是被某个作品震撼了。

五个张开双腿的女性，以及其艰难的姿势倒趴着，脆弱而痛苦。

眼前这个作品唤起了我强烈的感受。正当我洋洋自得地以为终于和创作者心有灵犀的时候，刚好碰到策展人正对朋友解释这个作品。我这才发现，自己的理解和艺术家的表达，完全风马牛不相及，根本就是两个方向。

可是，谁又规定：对同一件艺术作品，只能有一种解读方法？艺术如此丰富、如此广博，它唤醒的是人心深处的共鸣，关乎每个个体的生命体验。

其实就连艺术家本身也都认为，对艺术作品的解读，可以有多种层次，并不一定按照“我”的意思来。

看艺术展这件事，一千个读者，就有一千个哈姆雷特。把它当成周末散步的场所也好，去认真欣赏学习的也好。正如贡布里希所说的——“支持现代艺术”和“反对现代艺术”一样，都是轻率的。

也许当你尝试着以开放的，一无所求的心态走进艺术展，就会发现，那群走在人类前面的疯子，正在把一个新的世界向你敞开。

认真看作品的人还挺可爱。

想起一次，我在广州K11购物广场逛着。突然看到有人不断停下来，久久地注视着一个橱窗。走进一看，才发现是个艺术装置。

这个艺术装置讲的关于“时间的故事”也许并不那么新鲜，倒是这个嘈杂的场所里，人们驻足思考的那几分钟，有如时间凝滞般静谧。

[1]《艺术的故事》E.H贡布里希 广西美术出版社

[2]《带着自拍杆看展，我们看的是展品还是镜头中的自己》 翁昕 果壳网

[3]《中国当代艺术最关键的时刻是现在？》xiyao 难逃一吸

[4]《奢侈品品牌为什么越来越重视艺术营销？》徐小喵 门道Fashion

✎作者 | 马路天使

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