古玩赏析：中国李可染书画艺术院理事杨旭尧——“李家山水”经典传承
大家好，抽象画的艺术价值「抽象画名家」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！
在前天结束的香港苏富比秋拍“当代艺术晚间拍卖”中，抽象艺术大师格哈德·里希特的作品不负众望地又一次拍出了2亿 的天价。这个结果虽然在他的拍卖价里只占第11位，但是落槌的时候还是引起了一片啧啧惊叹。
格哈德·里希特《抽象画（649-2）》，油画 画布，1987年
苏富比当代艺术晚拍，估价 HKD 120,000,000-140,000,000
成交价 HKD 214,631,000
有很多人会疑惑，“不就是很多颜色堆上去吗？我也会！” “真的不是把调色盘放在墙上吗？” “小孩子画的都是抽象画！为什么他能卖2亿？”
具象的风景、肖像、静物或场景相对容易被欣赏和理解。但是如何欣赏抽象艺术呢？我们常常不确定我们所看到的是什么，也不确定我们该有什么反应才是对的。
所以，抽象艺术的魅力究竟在哪？
这个问题是一个相当大的问题，这里我尽量简短意赅。
在抽象艺术出现之前，艺术一直有一个挥之不去的主体：内容，也就是画家们总要画点什么具体的东西。哪怕画家在表达方式上已经各种个性、各种流派了，但他们还是不得不依托一个具体的事物。
这促使当时的画家们开始思考：我们能不能不借助内容来表达艺术？就是说，只用颜色，笔触，构图等——也就是所谓“绘画形式”，来传递一种审美呢？
于是，出现了抽象艺术。
最早期的抽象艺术家们想说，绘画并不一定非得画什么，哪怕纯粹的颜色和形状的组合也能够表达出审美和情感来，当时的评论家为他们总结出了一个信条，所谓“为艺术而艺术”。在他们看来，内容是有时效的——你现在看文艺复兴的圣母和耶稣很难心生感动——但形式永远不过时。
人们经常吐槽不懂画的人评价一幅画的好坏是“像”与“不像”。这里的像和不像涉及到的是叙事功能，而这种表诉功能通过文字和语言也能传递。所以抽象画家们认为绘画形式，颜色、笔触、构图，才是绘画的本质（这里说的是绘画，不是艺术）。
抽象绘画的鼻祖康定斯基，《第8号构图》，140.0×201.0cm，1923年
抽象艺术是一种艺术家运用色彩、形状、形式和手势标记来达到独特美感、并在许多情况下引起观众深刻情感反应的综合艺术流派。
除了点线面的美感的全局控制能力，还有一个很重要的判断抽象绘画的标准：情感。
画家罗斯科为人很深沉，他一直想用色彩来表达悲情。他的油画作品笔触很凌乱，层层叠加，灯光下闪着油彩的光亮，配色往往真实地带有悲剧的情绪。
如果你看过《色彩的性格》，你就会知道这种明确的色彩情绪的观念，到二十年后才确立起来，现在已经广泛地运用到了我们的生活中。
针对有关情感和特征的200个概念，作者爱娃·海勒进行了一次大规模的不记名调查。调查是围绕色彩展开的，比如：爱情是什么颜色的；幸福是什么颜色的……
观众在罗斯科的作品前
最终罗斯科自杀了，自杀前不久他刚办过一场聚会，《从杜尚到波涅克》中写道：“其中一个人回忆说：‘那是她平生去过的一个最凄凉的聚会’，罗斯科的画室中挂满了他创作的黑色画面。这批画在他画室的四周围着他，挡住了从外面进入的光线，他被黑暗包围着。”
1964年，罗斯科受约翰和多米尼克·德·梅尼尔夫妇的委托，在德克萨斯州的休斯顿创建了一个充满他的画作的冥想空间。这个空间包含了14幅黑色的画。罗斯科在后期变得极度阴郁，他描述自己的作品：“想探寻自己到底能把光变得多么黑暗” ，并希望他巨幅的画作“像一扇门一样把你吞噬”。可悲的是，罗斯科在1970年自杀了，他没有活着看到在1971年竣工的教堂。
so，色彩、笔触、构图、情感......
你是不是已经感受到了抽象艺术的魅力？
那么现在再来体会一下其他抽象艺术家的作品吧。
玛格丽特·尼尔（Margaret Neill）美国艺术家玛格丽特·尼尔（Margaret Neill）喜欢观察图案，不论是自然的还是人造的。比如天气的各种模式、地图或各种建筑物，并将它们转化为绘画作品。她的艺术品既复杂，又宁静，处于不断变化的状态。
她经常使用传统材料（例如石墨，木炭，油漆）在传统的画布和纸上进行系列创作。
《清单1》（Manifest 1），木炭 水 画布，73 x 106 cm，2015年
作为一名自学成才的法国艺术家，亚泽以他试图捕捉记忆的大型绘画而闻名。在这些大型画作中，他尝试将传统的材料融合在一起，如纸，布、木或摩洛哥传统元素。
在这幅2011年的作品中，Yaze融合了街头艺术和传统艺术的元素，比如涂鸦和滴水。这幅作品充满了强烈的红色、粉红色和赭色，还有黑色的线条，情感强烈。
你觉得他是在捕捉什么记忆呢？
《无题》，画布 混合媒介，180 x 300厘米，2011年
作为一名著名的欧普艺术家，约翰·古德伊尔通过素描、光学、装置和热能，将观众当下的观察重新语境化。他的作品引导观众反思内在和发现外界。
下面这件《无题》作品(黑白网格)由网格结构内的点组成，创造了一种运动的错觉。
《无题（黑白与网格）》（ Untitled (Black and White with Grid）丙烯 木头，91.4 x 91.4 cm
大卫·墨非是一名澳大利亚视觉艺术家和设计师，他的作品有公共艺术、搭建场景、短暂的行为表演、戏剧设计、乐器设计和制造，以及定制的胶合板自行车。（听起来跟他的作品一样 有趣 kan bu dong）
这件作品属于X系列，看起来像一块布在不同变焦情况下的呈现。这个系列还有一个“串珠”的主题。
《X（第二十四）》（X (Twenty Fourth)），酪蛋白 画布，154 x 112 cm，2014年
意大利艺术家阿尔贝托·比亚西以其在推动动力艺术的领导作用而闻名，并且是很有影响力的艺术团体Gruppo ENNE的共同创始人。他们与Gruppo T一起开发了一种可感知视觉的研究，并将这个研究命名为“光学艺术”。
《动力学》由涂有油漆的木板上的PVC条组成，形成了令人惊叹的错觉。不同视角的观看都可以看到“不动的作品在动和闪光”
《动力学》（Dinamica），彩绘板上的PVC浮雕，30 x 30cm，2010年
曼努埃拉·卡琳·克努是一位以绘画和装置艺术而闻名的德国当代艺术家，她的作品是表现主义的，是一种表达记忆和情感（坦率、诗意、亲密、普遍的）“解码”，可以是坦率的、诗意的，也可以是亲密的、普遍的。她的作品媒介广泛，包括拼贴画、摄影和建筑形式。
其作品《置于死地》以其色彩和笔触使画面充满了爆发力。
《置于死地》（Checkmate）混合媒介，100 x 70cm
法国著名艺术家汉斯·哈通致力于对抽象艺术的重新思考和提升。作为战后艺术的主要人物之一，他探索了绘画的表面，形式之间的关系，以及和谐和比例的原则。
《T1966-E14》这幅作品富于表现力和戏剧性，直接反映了艺术家内在的哲学倾向。
《T1966-E14》，帆布 乙烯基涂料，116 x 185 cm，1966年
加拿大当代艺术家罗恩·马丁是加拿大少数将绘画创作视为一种表演的画家之一。他想要提醒观者，他们对“物体”的体验，例如一幅画，是来自于观者自身的经验的。
1967年的《结论与转移》系列是他艺术创作的典范。来自于杜尚的启发，马丁这一系列的作品展示了画作本身和一幅完全相同的复制品，彼此相邻。
《结论与转移》（Conclusion and Transfer），布面丙烯，167.6 x 343.5 cm，1968年
诺曼·穆尼是爱尔兰当代艺术家，他的作品既物质又形而上，它们意在探索自然的元素和元素间的循环协同作用。凭借实验和过程的方法论，穆尼创作了大量的雕塑、室内外装置和纸上作品。
在下面这件作品中，艺术家表达了物质性、图案、比例和个人经验。
《系列3 No. 20》（Series 3 No. 20），碳板，40.64×40.64cm
印度当代艺术家曼尼什·奈(Manish Nai)善于创作多种形式的复合作品。他借鉴“贫穷艺术（Arte Povera）”和“程序化艺术（procedural art）”，使用废弃的材料，用创作过程中的程序和材料本身的性质，定义最终的艺术成品。
在这件作品中，艺术家使用天幕靶和丙烯，用极有限的调色创作了一幅微妙的作品。
《无题》，飞纱 丙烯，66 x 50.8 x 2.5cm，2019年
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