波普艺术的历史「现代波普艺术」

时间：2023-01-04 09:25:08 来源：杭州文化消费

大家好，波普艺术的历史「现代波普艺术」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

大家对波普艺术的了解可能源于安迪沃霍尔（Andy Warhol）的梦露。

在安迪沃霍尔这批作品中，他选用辨识度较高的名人、商品、生活灵感作为素材，来进行丝网印刷的创作。由于这些作品制作成本低廉、色彩鲜艳吸引人，无论是阳春白雪，还是下里巴人，不同教育程度的人都可以欣赏波普艺术，这样一来，大众对于艺术创作的对象接受程度较高，这让他的这系列作品很快得到了传播。不仅在作品价格方面水涨船高，独特的表现手法也成为了安迪沃霍尔的标签，甚至是美国波普艺术的标签，让人一看到同样风格的作品，就很容易地联想到了艺术家本人。

（安迪沃霍尔另一个著名的艺术作品，金宝汤系列）

这正如波普艺术的定义一样：它们是面向大众的（popular）、反传统艺术的、幽默诙谐、甚至有些恶俗……和传统艺术相比，无论是从材料上来说，还是从时间上来讲，波普艺术的创作成本低廉，它可以是像安迪沃霍尔那样仅仅是通过印刷来创作，也可以是几块拼贴画。广告、海报、插图，都可以是波普艺术的呈现方式。

（不断重复印刷的波普艺术）

尽管我们一提到波普艺术，就能立马联想到美国波普的辉煌时期——在布鲁克林的那些艺术家摩肩接踵的街道里，除了安迪沃霍尔，还有罗依·李奇登斯坦（Roy Lichtenstein）、草间弥生（草間彌生）、凯斯·哈林（Keith Haring）……他们产出的大量举世闻名的作品，在世界各地巡演，耀眼地几乎让我们快忘了，波普艺术事实上是由英国发源的。

（Roy Lichtenstein）

（凯斯·哈林（Keith Haring））

早在20世纪中期，英国艺术评论家罗伦斯·艾伟（Laurence Alloway）将那些讽刺性的、反传统的、具有流行大众文化的艺术作品称为“POP ART”，用来指代那些战后英国在报刊电视上出现的广告艺术，在精神方面，有点类似于欧洲达达主义的延伸；紧接着，到了20世纪中后期，许多穷困的美国艺术家们靠为杂志、广告绘画插图为生，放荡不羁的性格让他们不拘泥于创作普通的插画，而是简化了传统艺术的线条，使用更为明亮的色彩，根据现代性的风格来诠释商业艺术。

再加上这些艺术家们对于社会现象的独特见解，将流行文化和大众消费相结合，使得这样的波普艺术在美国刮起了一股别具一格的风潮。

那英国波普艺术和美国波普艺术，到底有什么区别呢？这就要从两国的社会语境开始说起。

（《到底是什么使今天的家庭如此非凡，如此有魅力？》）

英国艺术家理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）可谓是英国波普艺术的先驱者。在波普艺术还未被英国大众所熟知前，他的这幅《到底是什么使今天的家庭如此非凡，如此有魅力？》拼贴作品，因为其裸露的人物，看似充满消费主义欲望的糟糕生活场景，被大众毫不客气地批评了。但显然，早在几个世纪前，每一幅杰出的作品，但凡稍微裸露一点，正义的大众就集体抗议，但最后还是永垂不朽——这幅作品也不例外。

画面上的男女主人公，身材火辣，让人忍不住浮想联翩，而艺术家为他们布置的家里，充满了诸如电视、收音机、吸尘器、好莱坞电影等日常生活中最常见的元素。这些素材，可以说是战后英国的百姓们纷纷前仆后继购买的“美式现代化产品”，它们确实合成了现代英国生活中令人无比兴奋的因素之一——但当它们与带有情色意味的两个假人拼接在一起的时候，却又触动了同样一批人敏感的神经。他们一面享受着这样的生活，一面又拒绝承认生活之魅力竟然来源于美式消费主义。

（Richard Hamilton, Interior, 1964）

要知道，在汉密尔顿创造出这个拼贴画之前，他可是立体主义的忠实拥护者。也就是说，在此之前，他还是个正儿八经的普通画家，热爱绘画大自然和人体肖像。事实上，大多数英国波普艺术家都是像汉密尔顿那样，从传统艺术创作中解放技法，投奔于波普艺术这样的前卫艺术事业之中。对于这种前卫艺术，他们旨在想方设法嘲讽英国生活文化的革新，另一方面，他们也像是现代社会的记录者，一边将新的艺术精神与手法投放于商业广告之中，一边又细微地观察着美式消费文化对英国百姓的影响。尽管他们不满足于传统艺术，但他们从未放肆创作，依然有着自己的一套波普定律。

比如，我们在英国波普艺术中，总是能清楚地意识到画面中的人物的行为，甚至能够十拿九稳地猜出来作品的语境——在这些作品中，总是少不了美式舶来文化的产物，或者通过画面人物的行为暗示，我们能体会到艺术家对于当下社会状态所表现出的看法。

也就是说，英国波普表现出的是英国人民的一种生活状态。在这里，有一个艺术家特别有意思，他就是大卫·霍克尼（David Hockney）。作为一个英国波普艺术家，他人生的后半时期却在美国度过。在美国，他依然没有放弃波普艺术的创作，画风却完全判若两人。

（大卫·霍克尼在英国）

（大卫霍克尼在美国）

一个风格阴沉，一个风格明快。在这方面，我们可以怪英国的坏天气，也可以怪加州的艳阳，影响他风格巨变的，甚至可以追溯到他来到洛杉矶以后，整日沉浸在恋爱之中。但是，在了解大卫·霍克尼来到美国之后的作品之前，我们需要先了解他本人那时候的生活状态：他沉浸于和恋人的同居生活之中，对象却是个男人。在当时，同性恋之于美国人来说还是一件相当可怕，难以启齿的事情。但霍克尼却对其不以为然，创造了大量的关于男性裸露戏水的艺术作品。

这些作品看似平凡，但重要的正是它的这种平凡——在当时的社会舆论下，同性恋是一件非主流的事。我们可以认为，霍克尼的这些平凡作品，也正是他本人对于同性生活的一种奢望——可以像普通人一样回归平凡。

（Domestic Scene, Los Angeles 1963）

美国波普表达的正是这种情怀：当美国人民早已对充斥着现代工具的生活习以为常的时候，艺术家作品中传递的更是一种对美国社会观念的考量。再回到文章开头的安迪沃霍尔的梦露身上，他大规模地印刷这些名人肖像的艺术品，事实上是在拷问，当一个偶像的相片被不断地用令人不安的颜色无限复制，它还会引起人们崇拜吗？当一个艺术家完全在作品中消除自己的技术手法，大众们还会对他的作品买账吗？

相比英国波普，美国波普的艺术家们更喜爱用不那么直接的手法表达他们的主题。美国那些玩世不恭的艺术家们，远比英国学院派艺术家们天马行空地多。无论是像凯斯·哈林的那些符号式的插图、还是罗伊·利希滕斯坦的永远活在漫画里的女主角，他们都更偏向于采取隐晦的方法，甚至很有可能是抽象的，你很难直接从他们的画面中读取想表达的信息。