怎样理解现代艺术「关于现代艺术的看法」

大家好，怎样理解现代艺术「关于现代艺术的看法」很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！

身为一名软装设计师，你需要：

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上知天文下知地理

.......

可以说软装设计师所需要具备的技能真的是太多了！

那么今天，兰姨带大家了解了解艺术史。

很多设计风格与当代的流行艺术风格都是不可分割的，我们今天将为大家讲解从19世纪60年代的印象派开始到如今长达150年的艺术发展史。

众所周知，现代艺术中那些名目繁多的派别，比如印象派、后印象派、表现主义等主义，那么这些主义具体都是怎么回事？我们又该如何欣赏和理解一幅现代艺术作品呢？

Part 1 现代艺术史发展历程

现代艺术史上涌现出各种艺术运动和各种主义，比如印象派、前印象派、后印象派、原始主义、立体主义、未来主义、达达主义、超现实主义，一直到后现代主义等等。

在这些主义形成的背后有着30多个艺术运动和流派，而且有的在各个国家的表现也很不同，涉及的艺术家就更多了，有上百位代表的艺术家。所以兰姨在这里会有选择性地梳理一下这一百多年来主要的艺术运动和艺术流派。

整个现代艺术史的发展历程

可以说是一部艺术家的叛逆和革新的历史

第一阶段：艺术的产生

现代艺术的产生：从1860年代的印象派的叛逆开始。

印象派画家是最激进、最反叛、最能突破障碍和开创新纪元的一群人。

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时代背景

在19世纪的法国，学院派把守着艺术殿堂的大门：官僚又保守。他们制定艺术的规则，决定绘画的内容和风格，同时评判艺术家作品的好坏和经济价值。

当时，被学院认可的画可以在艺术展上展出，收藏家和艺术经纪人也争相购买，艺术家因此就能建立起自己的事业。相反，不被学院认可的画则无法在艺术沙龙上展出，艺术家也因此断送了自己的艺术生涯。

代表画家：雅克·路易·大卫

“学院期望艺术家们以神话、宗教形象、历史或者古典风俗习惯为基础，用一种把主题理想化的风格来创作他们的作品。”这样的画作我们在博物馆能看到很多，比如：

文艺复兴三杰：达·芬奇、拉斐尔和米开朗基罗创作的宗教题材的宫廷壁画。

达芬奇-《蒙娜丽莎的微笑》

达芬奇-《哺乳圣母》

拉斐尔-《美惠三女神》

拉斐尔-《西斯廷圣母》

米开朗基罗-《大卫像》

米开朗基罗-《女预言家利比亚》

学院派判断一件艺术品是好是坏的标准基本上是：色彩是不是精细调和的，主题是不是经典的，线条、技法、人物塑造是不是符合当时理想化的表现等等。

这一套固有的标准从文艺复兴时期一直延续了几百年。

到了19世纪，年轻画家对这些陈规感到厌倦，他们希望打破这套规则。

传统艺术描绘的主题，是以宗教或者神话故事、历史典故为主，很少有表现普通人的主题，但是印象派画家，他们更多的把真实的“人”作为画作的题材，更多的展现“人性”而不是传统艺术更青睐的“神性”，这是现代艺术一项伟大革新。

米开朗基罗-《创造亚当》

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艺术风格

由于印象派走出画室，开始记录周围的生活和大自然，外界环境千变万化，风景和光线更是稍纵即逝，画家们无法仔细描绘，而是需要迅速记录，所以印象派的画作变得粗糙、模糊，这就是我们后来看到的印象派画作的主要特点。

现代艺术从印象派开始，发生了根本性的变化。过去的绘画倡导精准，精准的制图术是当时最推崇的，经过许多个小时，甚至数天、数月、数年的工作，精细地完成一幅画作，完美的、精细的、宏大的画作，这就是当时最推崇的“高贵风格”。

相比而言，印象派是时间急迫的、粗加工的、草图一样的，涂抹在画布上的画法，在当时是完全反叛的做法。

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代表人物

爱德华·马奈，他是印象派的奠基人之一。

他的《喝苦艾酒的人》画的是生活在底层的巴黎人

《草地上的午餐》

两幅画都被学院派以技法不恰当等原因拒绝他参展。

印象派还有更激进的代表人物，那就是莫奈和保罗·塞尚。

莫奈-《草垛》

保罗塞尚-《自画像》

他们与学院派决裂，办一场“自己”的展览。他们自己制定新规则：第一，不设评委会；第二，只要交了会费，所有人都能参展；第三，所有艺术家一律平等对待。这和五十年后杜尚在纽约采用的规章非常像。

莫奈-《日出 印象》

塞尚-《圣维克多山》

第二阶段

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时代背景

1874年，在一个精明的艺术经纪人保罗·杜兰·鲁埃的协助下，他们举办了第一届印象派展览，尽管遭遇了很多评论家的攻击，但是印象派最终还是成功了。

他们在艺术史上开创了全新的局面，还带来了艺术史上的高峰时期，也就是后印象派，就是我们耳熟能详的几位代表人物：梵高、高更、乔治·修拉和保罗·塞尚。

现代艺术从此一发不可收拾，从这四位后印象派，又发展出了各种流派和主义，他们在某一个历史时点交织，往后又分化，一直汇聚到后现代主义。

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风格特色及代表人物

他们在绘画风格上各有千秋，从而发展出了四条主要脉络：

第一个：高更的原始主义

高更-《黄色的基督》

高更的原始主义发展出野兽派

野兽派更强调情感特质

野兽派创始人亨利 马蒂斯《豪华、宁静、欢乐》

第二个：乔治·修拉的点彩派

他发明出一种自称为光觉绘画、也就是所谓的分色主义，紧密相连的色点会在看画者严重融合在一起。

《大碗岛星期日的下午》

《翁弗勒的灯塔》

第三个：梵高的表现主义

梵高自画像

梵高的表现主义演化出抽象表现主义

毕加索《格尔尼卡》

第四个：塞尚的立体主义

从塞尚发展出来的立体主义，一直发展到未来主义、构成主义、波普艺术、贫穷艺术以及极简主义。

塞尚-《浴女们》

波普主义

乔治 布拉克-《埃斯塔克的房子》

现代艺术的发展

是一个艺术家不断简化和去除的过程

具体表现为从具象到抽象

从写实到观念的发展过程

摄影技术的发展也给绘画艺术带来了冲击，他们不能再局限于写实，而去探索新的表现方式，从而激发观众过去从来没有被激发的想法和感受。

艺术家变得更加自由，可以更加天马行空的表现艺术。

最典型的抽象派的代表人物：

毕加索《亚维农的少女》：这幅画里有五个女人，被简化成一系列的三角形和菱形，就像从纸上剪下来拼贴在一起的一样。

人物的细节被精简到极致：两只眼睛、一个鼻子、一张嘴、一对乳房、一条胳膊，身体则由一两道带棱角的线条构成。这就是简化、抽象的趋势。

第三阶段

从二维的平面到立体主义，艺术家想要摆脱绘画写实的传统。而接下来的未来主义，则是立体主义的更进一步。

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时代背景

20世纪初，欧洲想要告别上个世纪的疾病和城市肮脏的历史，世纪初的人们当时只有一个诉求：那就是辞旧迎新。人们希望挣脱历史的辉煌成就，包括罗马时期和文艺复兴时期的艺术成就，艺术家们不希望在过去的历史包袱或者成功的阴影下创作，他们希望在现代能有所创新。

因此，反叛、突破传统就成为接下来一段时期的艺术运动的主要诉求，比如未来主义和达达主义。

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风格特色

未来主义始于1909年，一个意大利作家马里内蒂发表了“未来主义宣言”，引发了艺术上的一场未来主义运动：任何能勾起未来技术革新幻想的事物和艺术都是受欢迎的。

“未来主义是加速了的立体主义”

贾科莫 巴拉-《雨燕，运动和电动序列》

首先，未来主义延续了立体主义在技法和构图上的创新，打破了空间和时间的概念。其次，在这个基础上，未来主义的艺术家追求能激起人们真切的情感反应，甚至表达他们激进向前的政治主张。

贾科莫 巴拉-《链条上的狗》

所以这个时期，我们可以看到，整个欧洲涌现出各种流派和主义：比如法国的野兽派，德国的桥社和青骑士，俄罗斯的辐射主义以及英国的漩涡主义。

康定斯基-《穆尔瑙的教堂之一》 青骑士

米凯尔·拉里昂诺夫-《玻璃》 辐射主义

1916-1923七年间，出现了艺术的新趋势“达达主义”。

“达达”这个词在各个国家有不同的意思，它是一个国际化的词，比如在法语里它的意思是“木马”，在德语里它的意思是“再见”，在罗马尼亚语里，它的意思是“确实是”。

所以这场运动被命名为达达主义，强调的就是随性和偶然性的创作机制。他们认为生活是随机的，不可预知的，那么艺术也应该如此。在一定程度上，达达主义这一艺术理念也来自毕加索的拼贴画。

1923年，达达主义转化成了超现实主义。超现实主义运动持续了20年，从1924年一直到1945年。

超现实主义这个词也进入了日常生活，我们经常可以听到什么东西是“超现实的”。所以在艺术领域，超现实主义就变成了一个筐，所有神秘的、奇怪的、乖僻的艺术品都可以往里装。

达利-《永恒的记忆》

路易斯·布尔乔亚的标志性作品：一只巨型蜘蛛，像纪念碑一样高达十米的一只金属蜘蛛，他取名叫“妈妈”，寓意着她是一位伟大的编织者。

杰夫·昆斯用花朵做成的巨型小狗，都是代表性的超现实主义作品。

超现实主义这个词是法国诗人阿波利奈尔在1917年发明的，大概意思你可以理解为“在现实之外的”，这些作品的共同特点是乍看上去摸不着头脑，很难理解，直到你了解了艺术家背后的理念和复杂的思想。

第四阶段

1950年代到70年代，艺术家们感受到了强烈的物质主义和消费主义对人的刺激和影响。

他们用波普主义反映当时的时代，比如安迪·沃霍尔的《可口可乐》和《金宝汤罐头》。

从1950年代开始，同时出现了观念主义以及各种各样的令人费解的行为艺术。

Part 2 如何理解那些怪异的艺术？

欲知何如请看下回分解~